dimecres, 4 de desembre del 2019

IN MOURNING AND IN RAGE


‘Feminismes!’ expone una gran cantidad de obras, se calculan más de 200 piezas y alrededor de 70 artistas. Antes de nada, el feminismo no posee un solo relato, ni tampoco una sola lectura o escritura, por lo tanto, hablamos de la pluralidad. Cada autora, desde su contexto social e histórico, (hablando así, de las circunstancias del lugar, el pensamiento, la sociedad, la geografía, el tiempo… Y sobre todo como se relacionan) Alza la voz para manifestar la opresión de las mujeres. Ellas no eran bien recibidas en el mundo del arte, por lo tanto, el numeroso grupo de mujeres que se levantó por la libertad y luchando por una misma causa, fue un gran choque y un extraordinario avance. 
Seleccioné la siguiente obra principalmente por el impacto que causó en mí cuando la vi en el museo. No conocía esta perfomance y me quedé realmente impresionada, por el contexto y la acción que se realizó También me interesa porqué actualmente hay actos muy similares al que ofreció Suzanne y Leslie, los cuales se relacionan y los trataré a continuación.


In Mourning and In Rage (En el duelo y la rabia)

La obra de arte de performance fue realizada por: Leslie Labowitza, artista que desarrolló sus performances activistas bastante pronto, y Suzanne Lacy, una de las grandes pioneras del feminismo cultural de Los Ángeles. 

Resultat d'imatges de in mourning and rageA finales del 1977, el “estrangulador de la colina” fue el protagonista de las noticias de Los Ángeles. El motivo de esto, todo un seguido de asesinatos a mujeres, estranguladas y abandonadas en carreteras. Los crímenes se produjeron a lo largo de tres meses consecutivos. Incluso hubo dos víctimas menores. La situación que estaban viviendo los angelinos era realmente grave y necesitaba solución. Pero la prensa, lejos de dar noticias objetivas, transmitió los hechos de una manera muy sensacionalista, hablando de cada víctima, de la violencia aleatoria, y dejando de lado la continua violencia hacia las mujeres. Por lo tanto, había un gran clima de miedo y de incertidumbre.


Estos sucesos se pueden relacionar de manera directa con la actualidad, tanto la violencia a las mujeres como la actitud morbosa y sensacionalista de algunos medios delante de estas situaciones. Leslie y Suzanne, querían dar otra visión totalmente distinta sobre lo ocurrido, mostrando un análisis feminista sobre la violencia ejercida. Lo realizaron en forma de una performance realmente mediática. Donde se unieron los colectivos: Woman’s Building, Rape Hotline Alliance y el Ayuntamiento, también participó la comunidad feminista y las familias de las víctimas. La finalidad era crear un ritual público de ira y dolor

Se había citado a la prensa, para que retransmitiera y grabara lo que iba a suceder. También se les dio el guión de la performance, el motivo y una crítica a la prensa sensacionalista. De esta manera querían asegurarse que el mensaje quedara claro. La performance se sitúa en el Ayuntamiento de Los Ángeles. Consiste en una caravana con un total de 60 mujeres, y tras esta, un coche fúnebre. De este salen diez mujeres, muy altas, que visten con túnicas negras de luto. Cada una de ellas ofrecen una mirada distinta de la violencia contra la mujer. Una vez finalizan el discurso, todas gritan: “¡En memoria de nuestras hermanas, luchamos!"


Ahora es la décima mujer, que vestida de rojo, posa delante del micrófono y dice:

“Estoy aquí por las 10 mujeres que han sido violadas y estranguladas, entre el 18 de octubre y el 29 de noviembre de este año 1977. Estoy aquí por las 388 mujeres que han sido violadas en Los Ángeles entre el 18 de octubre y el 29 de noviembre de este año 1977. Estoy aquí por las 4.033 mujeres que fueron violadas el año pasado en L.A. Estoy aquí por el medio millón de mujeres que han sufrido violencia física en su casa. Estoy aquí por una de cada cuatro de nosotras sufre abusos sexuales antes de los 18 años. Estoy aquí por los cientos de mujeres que son representadas como víctimas de agresiones sexuales en cines, en la televisión y en las revistas. Estoy aquí para hablar de las miles de mujeres que han estado maltratadas y violadas y que aún no han podido alzar su voz. Estoy aquí, por las mujeres que ven limitada su vida diaria por la amenaza de violencia.  Estoy aquí para mostrar mi dolor por la realidad de la violencia contra las mujeres. Estoy aquí, para manifestar la rabia de las mujeres. Estoy aquí para que las mujeres nos defendamos y luchemos.” 


La obra es realmente emocionante y dura de ver. El mensaje es claro, directo y sincero. Por lo tanto, no obliga al espectador a hacerse preguntas como: ¿Qué querrá decir? ¿Por qué dicen estas cosas? o tener que estudiar la obra y deducir el posible significado. El mensaje llega al espectador de una manera inmediata, casi instantánea, ya que el significado es más que evidente. En esta performance, usan su cuerpo como protesta, hay una confrontación contra las estructuras de poder. 


Me gustaría relacionar, en la medida posible, el trabajo de Leslie y Suzanne con la performance/manifestación que se llevó a cabo el 25 de noviembre en Santiago de Chile. Estaba a cargo de la agrupación LasTesis. La escena se formaba a partir de cientos de mujeres con los ojos vendados, coreando a gritos un himno/canción/poesía feminista, directamente relacionada con las violaciones a mujeres. Visualmente el acto fue muy impactante por la cantidad de mujeres que salieron a la calle, a partir de un feminismo organizado. Se mostró la unión de una gran pluralidad de identidades, para reivindicar y luchar por lo que es suyo, es realmente fascinante y admirable.  La inmediatez de las redes sociales, ha difundido de una manera extremadamente rápida, la performance hecha en Chile. El mundo entero se está haciendo eco de esta serie de actos. Pero esta performance no acaba aquí. La performance fue reproducida en diversas partes del mundo como símbolo de apoyo y de lucha: El Salvador, Uruguay, Francia, Costa Rica, República Dominicana, Bolivia, México, Colombia, Austria, reino unido, Turquía, argentina y EEUU en Nueva York.


La fuerza con la que lucharon las mujeres del 1977 en Los Ángeles, es la misma que la de las mujeres chilenas (y de todo el mundo) a día de hoy. 


 Marina Mampel
NIUB: 20190203
Conceptes de l'Art Contemporani
B1
Webgrafia

- Against Violence .Art. (s.f.). Obtenido de https://www.againstviolence.art/in-mourning-and-in-rage

- Concha. (27 de Oct de 2016). Obtenido de http://conchamayordomo.com/2016/10/17/suzanne-lacy/

- Feminismes!, C. (2019). CCCB. Obtenido de https://www.cccb.org/ca/exposicions/fitxa/feminismes/231713

- Lacy, S. (s.f.). Suzanne Lacy. Obtenido de https://www.suzannelacy.com/in-mourning-and-in-rage-1977

- Leslie, S. y. (1977). React Feminism. Obtenido de http://www.reactfeminism.org/entry.php?l=lb&id=94&e=

- Ottis College. (24 de Nov de 2010). Youtube. Obtenido de https://www.youtube.com/watch?v=idK02tPdYV0

- withrefdeath. (24 de Mayo de 2015). WithReferenceToDeath. Obtenido de https://withreferencetodeath.philippocock.net/blog/lacy-suzanne-labowitz-starus-leslie-in-mourning-and-in-rage-1977/


dimarts, 3 de desembre del 2019

VELS PLÀSTICS - Eulàlia Valldosera


EULÀLIA VALLDOSERA
OBRA: Vells Plàstics (2016)





Sin duda alguna la obra que más me llamó la atención nada más verla, no sé si por su tamaño o por sus increíbles colores, fue “Vels plàstics” de Eulàlia Valldosera (2016).
 Esta artista hace años que trabaja con el elemento acuático. Su obra Velos plásticos consiste en fotografías que aluden a dos realidades muy actuales. Por una parte a la contaminación de las aguas marinas a causa de los plásticos que arrojamos, los cuales acaban siendo los causantes de la muerte de miles de animales marinos. Y por otra, los naufragios tanto de barcas de pescadores como de pateras de personas que buscan refugio en Europa. Revelan paradójicamente la belleza, recordando las vírgenes de las capillas marineras, al tiempo denuncian la capacidad mortífera, con toda la ambigüedad del velo, que es refugio y prisión a la vez. 
En sus obras habitualmente hace referencia a las “vera icon” (imágenes verdaderas). Estas son reliquias del cristianismo, consideradas imágenes verdaderas de Cristo. Eulalia Valldosera utiliza este símbolo en su obra  para hablarnos de los velos corporales que esconden heridas y fronteras. Las imágenes religiosas del imaginario cristiano continúan actuando en nuestro inconsciente colectivo en forma de arquetipos. Desde allí siguen dictando nuestros juicios y valores, colándose entre las rendijas de un lenguaje supuestamente esos plásticos nos recuerden de algún modo a la de estatuas religiosas como por ejemplo la virgen. 
Por lo tanto, en conclusión podríamos decir que estas grandes fotografías son una revisión de un arquetipo del femenino relacionado con el mar y su protección. Hechas con un manto plástico, estas figuras se parecen a las vírgenes que lucen en las capillas dedicadas a los navegantes, a la desesperación de estar a merced de los elementos, a la inseguridad innata del ser humano.




Anne Aguinaco

Crítica de la representación, grupo B1



BIBLIOGRAFÍA

Centre de cultura contemporánea de Barcelona. Exposición FEMINISMES!/ 19 de julio 2019 - 5 de enero 2020.  https://www.cccb.org/ca/exposicions/fitxa/feminismes/231713



dilluns, 2 de desembre del 2019

La última cena - Mary Beth Edelson

La última cena 

Mary Beth Edelson


La obra de La última cena de Mary Beth Edelson, es una de las obras que más me ha llamado la atención de la CCCB Feminismes; considero que es una burla a la icónica escena de la última cena, al patriarcado, ya que todo gira entorno al hombre, todo. Es el creador, es el que está arriba en la pirámide, se ha dado por hecho de que Dios es un hombre, se estableció así, igual que Jesús, el salvador, que incluso es machista, porque se trata a María como una mujer virgen que tiene un don que es un hijo, ósea que ni siquiera ha sido capaz de disfrutar del momento de “hacer” a ese hombre. Alrededor de la obra, esas mujeres artistas americanas, las cuales, no se les ha dado la oportunidad de triunfar, en un mundo sin oportunidades para la mujer.

Raquel Zoyo 
CAC - B1  

Una pelicula de Dios, Nuria Güell

Apátrida por voluntad propia fue el foco emisor que hizo que a mi empezase a interesarme ya no en si tanto la obra como si la forma de trabajar Nuria Güell, y es que recuerdo el que me pusieran ese vídeo en clase y enfriarme por completo y ya no se si fue mas el formato oficial que tiene la lectura con esa cámara inmóvil o el inmediatamente cuestionarte lo que cordialmente reclama y como esto fue presentado de forma real. Después de yo darle un par de vueltas a los términos de nacionalidad, identidad y frontera, le quise enseñar este vídeo a mis amigos, la mayoría emigrantes pues el tema de la nacionalidad y la necesidad de esta para obtener un derecho al voto cuando llevas años residiendo en  un mismo país es un tema candente por su injusticia.

Como comentaba, a partir de aquí fue cuando a mi me empezó remover Nuria Güell, porque me encanta que trabaje desde la situación y desde el conflicto, desde una crisis y una preocupación ya no tanto personal sino como ciudadana, y es que hace un arte que es político y que resalta la importancia del habla.
Es por eso que Una película de Dios me pareció impresionante y desgarradora y considero que lo ha llevado a un punto mas allá y se vincula mucho mas pues su obra coge una temática de terapia porque en ella las chicas, cuyas han sufrido abusos sexuales, no hablan de una hipótesis de historia que pueda representar la obra sino que se meten dentro y se reflejan en ella y se nota su nerviosismo y su dolor al narrarlo y eso es lo que la hace profundamente desgarradora e interesante. Por otro lado realiza dos comparativas, una social dentro de lo moral y la perspectiva y otra historia y colonización; la primera compara la interpretación de las obras hecha por las chicas con la interpretación mas suave y menos personal de unos hermanos ex-proxenetas y la segunda mediante el uso de cuadros de origen católico en época de colonización, confronta la educación católica con los abusos sexuales, el rol de la mujer en la sociedad, subordinada al hombre y el concepto de familia patriarcal vinculados a la cultura religiosa.

Noelia Caballero

diumenge, 1 de desembre del 2019

Hochhaus de Renate Eisengger

He d'admetre que trobar quina artista i quina obra d'aquesta m'agradaria tractar, m'ha costat, ja que dintre de la mateixa exposició, en alguns casos només et donaven informació formal de l'obra i, després de busca-la per internet, tampoc aconseguia trobar pràcticament informació justament, de les obres que més curiositat em van despertar.
I és que si per exemple poso "Brigitte Lang" a Google, les primeres entrades, són pàgines de Facebook personals i, si intento buscar una imatge per acompanyar la gairebé nul·la informació que he trobat sobre ella en escassos posts; quan poso el nom original de l'obra que més em va agradar "Completament femení"; només trobo la imatge de simpàtics tocadors de cabell amb lluentons per a noies amb el cabell llarg i lluent. Així que he passat a la següent que, des del meu gust, em va semblar prou irònica i punyent.

Ens situem als anys setanta, on joves dones pertanyents a la Segona Onada feminista decideixen prendre la fotografia com a mètode per posar en dubte el sistema patriarcal on avui dia encara està encallada la societat. Aquestes dones decideixen criticar la condició i el rol que se'ls associa pel simple fet d'haver nascut dones. 
La seva estratègia comunicativa, a vegades resulta en representar algun aspecte associat amb el "rol de la dona dintre d'una societat patriarcal" de forma satírica i burlesca. No volien ser les dones de casa tancades, les femenines, les delicades, no volien estar obligades socialment a estar casades i tenir fills, a seguir uns canons de bellesa en els quals no entraven, en els quals no estaven còmodes.

Aquest és el cas de Renate Eisengger, una important artista feminista que va crear obra com la que he escollit: Hochhaus. En aquesta fotografia se la veu a ella mateixa representada mentre planxa el terra d'un llarg passadís; un acte en el qual tots estarem d'acord en coincidir que és plenament inútil. És així que ella reivindica que, mitjançant aquest rol amb el qual s'associa a la dona, intenten allisar la nostra personalitat convertint-la en solament això "la que planxa" de forma indefinida, interminable. Quant temps pot trigar a acabar de planxar aquest llarg passadís? I si després d'aquest hi ha un altre, i un altre, i un altre?

Pel que fa a mi, mai he incorporat cap discurs feminista dintre de la meva obra o, si més no, no de forma activista i conscient d'un discurs a transmetre. No és una àrea dintre de la qual em senti còmoda com a artista tot i ser dona; encara que crec que és una lluita molt important i que l'art és una bona manera d'abordar problemes de la societat. Bé és cert que, a vegades, algunes lluites em semblen massa agressives, poc ètiques o contradictòries per a entrar-hi i per això em fan sentir incòmoda; o perquè aquelles a les que intenten arribar, com les persones que no els afecta de forma directa i no empatitzen fàcilment, no rebutgin el discurs en compres d'unir-se. Però suposo que aquesta obra em va cridar l'atenció perquè és prou comprensible a primera vista, sense deixar de ser prou impactant con per a parar-se a mirar-la (què fa una dona planxant el terra?) i sense arribar a tenir un llenguatge 'repulsiu' que et faci no voler mirar; tot i ser conscient que això mateix és el que pretenen algunes artistes.

Odalís Fernández Moreno
Crítica de la representació B1



Bibliografia:

http://lebastart.com/2017/01/cuando-ellas-se-quitaron-el-delantal/http://www.eyemagazine.com/opinion/article/feminist-scrutiny