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Jornades de la dona, 1976 Pilar Aymerich



Quan a classe vam parlar de feminismes en plural, al principi no ho entenia, perquè hi ha d’haver divisions en un moviment que ens ha d’unir a totes pel bé comú?

Quan vaig veure la foto, sense saber que en realitat era una performance del grup “las nyakas”, el primer que se’m va passar pel cap va ser justament, en els diferents tipus de feminismes, i com, fins fa relativament poc, aquest moviment només representava a les dones blanques de classe mitjana-alta.

Estava equivocada, era aquesta una performance per reivindicar justament la discriminació a la dona pobre, que tan sols sap que ella també pot ser feminista. 


Pilar Aymerich va ser una fotògrafa molt implicada amb aquest moviment i que va saber retratar des de dins els diversos actes celebrats a la capital catalana.

Marina Campos

MIREIA SALLARÉS
Muertes Chiquitas
Laia Caballero Cano

Mireia Sallarés, de 47 años, tuvo su primer orgasmo a los 27. Esto nos conduce a preguntarnos, ¿por
qué una mujer que una vez ha vivido su primera menstruación y ya es -culturalmente- apta para follar, no alcanza el orgasmo hasta los 27 años? La artista es licenciada en Bellas Artes y Film & Video Arts de Nueva York, por la Universitat de Barcelona y el New School University respectivamente; ahora es realizadora audiovisual en un tramo cíclico entre Barcelona, México DF y más ciudades. Tras tal recorrido -y tras tal tardía muerte chiquita-, a Sallarés se le originan varias cuestiones alrededor del orgasmo. Medical News Today lo describe como la cúspide de la excitación sexual. Es un sentimiento y sensación poderosa de placer físico que incluye una descarga de tensión erótica acumulada ; una(1) sensación poderosa: ¿por qué las mujeres están privadas de tal poder?
Muertes chiquitas (2006-2016) es un viaje por el territorio mexicano con un último fin: ¿qué es un
orgasmo para una mujer -mexicana-? Dar la voz al subalterno. ¿Pueden hablar los subalternos? La
(2) artista no se lo cuestiona, pasa a la acción. Entre rostro y testimonio, recorre durante diez años tal
territorio y realiza un video documental de 286 minutos, 26 fotografías, un libro, audio relatos y dos obras de papel picado. ¿Las protagonistas? Las mujeres. ¿El poder? De ellas. ¿Y qué es el poder? En la cultura, la capacidad -y posibilidad- de habla. Y eso mismo es. Toda una recopilación de testimonios a casi 30 mujeres de diferente edad, estrato social y creencia religiosa bajo una misma pregunta, ¿qué es un orgasmo?

Tal largometraje no sólo proyecta objetivamente qué supone una muerte chiquita; cataliza discursos
sobre el feminicidio, la prostitución, la transexualidad, la liberación de la mujer, la enfermedad... Es la vinculación del placer -y por ende, del poder- con diferentes debates socio-políticos recurrentes en el ámbito postmoderno. Es el compromiso ético del arte con la realidad socio-política del contexto. Muertes chiquitas es la recuperación -necesaria- del binomio ética-estética; la invitación a pie de calle de debates escondidos tras una traspuerta -al fondo a la derecha- y la purga del legado moderno.

Mireia Sallarés nos ofrece una liberación del discurso de la mujer mexicana hablado por la propia mujer mexicana, sin representaciones ni reinterpretaciones de intelectuales. Ellas mismas son las que nos dicen -y gritan- el qué, el cómo y el cuando.

1 Via Medical News Today: https://www.medicalnewstoday.com/articles/326555.php (12/01/2020)
2 Spivak, ¿Pueden hablar los subalternos? 2009

VANGUARDIAS FEMINISTAS/CCCB
-ANA MENDIETA-

Ana Mendieta fue una artista conceptual, escultora, pintora y videoartista nacida en Cuba y criada en Estados Unidos. Es especialmente reconocida por sus obras de arte y performances en el marco del land art (arte terrestre). Llegó a Estados Unidos como refugiada en 1961 cuando tenía 12 años a través de la Operación Peter Pan y regresó a Cuba en varias ocasiones para recuperar sus raíces.
El arte de ana medieta está profundamente marcado por su emigración de Cuba y por la separación de su familia. El desarraigo, el renacimiento y la regeneración son temas recurrentes en algunas de sus performances.

La obra de Ana y concretamente la que he podido visitar en el CCCB de su serie Untitled (Glass on body imprints), me parece de una fuerza y claridad en su mensaje muy potente. Esta serie me ha permitido comprender perfectamente la profundidad de su mensaje reivindicativo de tipo político, enfrentando problemáticas de tipo étnico. La artista propone presionar partes de su cuerpo como son los pechos, labios, cara, etc..para así romper con el cliché racial y denunciarlo.

Está visita además de está obra me ha permitido profundizar más en la trayectoria de la artista, que como nos adelantaba el propio folleto informativo del museo aborda también el tema del desarraigo. Pero si cabe destacar alguna parte desde mi punto de vista en la obra de Ana Mendieta, es el compromiso con los elementos feministas de los 70 y las propias art ́sitas tales como Nancy Spero.
En 1973 realizó una performance en su propio apartamento, presentándose a sí misma como la víctima, untada con sangre y atada a una mesa, invitando a sus compañeros y compañeras al apartamento para “presenciar” la escena del crimen. Estaba inspirada en la memoria de Sara Ann Otten, una estudiante de enfermería de apenas 20 años de la Universidad de Iowa violada y asesinada. Este hecho hizo que la crítica contra la violencia de género fuese una constante en la obra de Ana.

David Mañas, CAC

Semiotics of the kitchen, Martha Rosler (1975)

Va ser entrar a la sala de l’exposició de FEMNISMES, i directament veure en un primer terme el vídeo de Martha Rosler emmarcat en un quadrat blanc amb una petita explicació al costat. Òbviament vaig resseguir tota l’exposició i vaig perdre el meu temps descobrint a moltes i més artistes de la segona onada feminista vinculades a la reivindicació i revolució de la dona dins d’aquell (i aquest) món putrefactament patrialitzat. Però si m’haguessin dit que la expo començava i acabava amb aquest vídeo també m’haguera flipat, només pel fet d’haver-me fet reflexionar tant; reinterpretant tot que el viscut, sobretot dins de casa i de l’àmbit familiar, amb una mirada desperta, activa i feminista, i no en clau conformista, alienada i masclista. D’alguna manera vaig posar-li cara i ulls a molts comentaris, accions, directes, indirectes, i en si a comportaments, que fins fa uns anys ni mels qüestionava, fins fa uns pocs anys no els hi donava importància, i avui dia veig que són un germen, que tot i anar en davallada (almenys en el meu àmbit domèstic), s’ha impregnat i ha conformat una manera de ser i d’estar dins de casa, basada en la supremacia i en una ideologia falocentrista de l’home per sobre la dona.

Quan vaig veure el vídeo no podia parar de pensar en les meues dos àvies. Les dos heroïnes de la meua vida. Tot i que les altres dones de la meua família també estan, encara ara, sotmeses als rols patriarcals, tenen molta més horitzontalitat amb els homes, distribuint-se les feines de la casa; no són elles les úniques que porten la llar, cuiden als nens, cuinen, compren, netegen, ordenen, etc. Per aquest motiu, i sense treure-li menys importància als milions i milions i milions de dones que han hagut de viure sota aquest sistema, vaig escollir la performance de Semiotics of the kitchen, perquè tot i les milers de desigualtats, opressions i trepitjades a erradicar i canviar, crec que si ja des de la pròpia llar, els teus familiars i les persones a qui estimes i t’estimen, no poden ser conscients dels problemes de disparitat que hi ha i no deixen de banda la seua estandardització fal·locèntrica, no vull ni pensar en el seu comportament fora de casa.

En el seu vídeo performatiu Martha fa una crítica contracultural als programes de cuina emesos per la televisió, els quals volen definir universalment els estàndards de comportament de la dona, concretament capgira el programa culinari de la presentadora Julia Child. Col·locant-se el davantal, comença a enumerar alfabèticament diversos estris de cuina mentre els ensenya i en fa una demostració de com s’utilitzen d’una manera desinteressada al mateix moment que agressiva, amb uns moviments bruscos i violents.

Des d’una òptica desconstructiva Rosler trenca amb aquests estereotips jeràrquics de l’àmbit domèstic que s’instauren per definir l’essència del que és i que ha de ser una dona; la dona com a figura vinculada a la maternitat, a la cura, a la tendresa, a la passivitat, a la submissió, a la llar, etc. Amb aquest mecanisme signo gestual a través dels utensilis culinaris com a objectes violents, perillosos: com si fossin armes; l’autora posa en manifest que aquests estris no fan més fàcil la vida a les mestresses de casa, sinó que afavoreixen encara més la seua submissió dins d’aquesta.

Amb l’ajut de les performances, moltes artistes vinculades als feminismes, aconsegueixen encarnar i coorporeitzar, d’una manera molt més clara i contundent que amb altres llenguatges molt més formals i estàtics com són la pintura o la literatura, diversos conceptes, expressions, idees i/o sentiments, per reivindicar i criticar el masclisme i la societat centro-patriarcal interpel·lant directament a l’espectador, establint una conversa i no una lectura museística. Gràcies a les múltiples possibilitats que ens ofereix la corporeïtat s’aprecia i t’arriba, d’una manera molt més visible, el missatge de la peça.

Amb aquesta repetició mecanitzada de les accions, Martha encarna la constant i abundant submissió que pateixen les dones cada dia, cada hora: en tot moment.

Fer un llistat reiterat i violent d’alguns estris de cuina, o reproduir sense parar tot un seguit d’esperes de la dona de postguerra com va fer Faith Wilding en la seua performance Waiting, són encarnacions que posen en manifest la pervivència i presència d’una angoixa, gairebé genètica, en el dia a dia d’una dona. 8 minuts repetint la mateixa idea no són res comparats en la repetició, a mode de metralleta, dels estereotips i cànons d’arrel masclista, que té una dona durant el transcurs de TOTA la seua vida.

Des del meu punt de vista Semiotics of the kitchen no ha perdut temporalitat des del 1975 fins ara. Si bé és cert que hi ha hagut alguns canvis i desconstruccions d’alguns aspectes de la tradició occidental centro-europeista de l’home blanc ric cis heterosexual, aquests s’han donat en comptagotes, i molts dels que s’han donat, han afectat, o han estat duts a terme, només per minories dissidents, quedant encara interioritzada en omnipresència com a única i universal la tradició patriarcal de l’home blanc en el sistema actual. El que vull dir és que no només s’ha d’avançar en les concepcions feministes, en clau de respecte i llibertat, en noves lleis heterogènies, en les normalitzacions del “no-normal”, en el trencament de sistemes binaris, en l’enaltiment de la multiplicitat de sabers, etc., sinó també en modificar els comportaments masclistes dins de l’àmbit domèstic i públic: que els propis machirulos siguin conscients de la toxicitat que hi ha arrelada dins seu. Que la llar no sigui una “cosa de dones”, sinó que sigui un àmbit a portar i cuidar per part de totxs.

VV.AA. (1999). Martha Rosler, posiciones en el mundo real. Barcelona: Ediciones Actar.

Roger Albiol Prades (NIUB: 20041405)

Últimes tendències (del 1960 a ...)

Zonder Titel 1977, Lili Dujourie

‘’mostrar la tendresa i el costat femení dels homes que, sovint, s’han sentit incòmodes en veure
imatges que deixen al descobert la seva vulnerabilitat’’
Lili Dujourie

El que sembla ser una dona no ho és. Però, perquè pensem que és una dona? Pitjor
encara és el fet que pugui sorprendre que no sigui una dona.

FEMINISMES! agrupa les exposicions «L’Avantguarda Feminista dels 70. Obres de la
VERBUND COLLECTION, Viena» i «Coreografies del gènere» amb la finalitat de mostrar les
continuïtats i les ruptures entre el feminisme dels anys setanta i el feminisme d’avui en dia. Si
més no, l’obra que m’agradaria tractar es desvincula parcialment del feminisme reivindicatiu de
la dona quant a la reivindicació de la vulnerabilitat humana comunament associada a la feminitat
i que d’altra banda recau de forma negativa cap a un ent masculí.

Amb Zonder Titel (1997), Lili Dujourie li dóna la volta a la conservadora premissa en la
qual el nu femení ha de ser objecte de la mirada d’un espectador masculí. Disposades de forma
vertical una sobre de l’altra, ens presenta sis imatges en blanc i negre d’un cos nu estirat a terra
a sobre d’un paviment de fusta. En les diferents imatges observem que aquest cos varia de
posicions que clarament ens recorden als tradicionals nus femenins de la pintura i escultura
occidentals.

En una primera lectura visual observem que aquesta figura sen es presenta nua,
vulnerable i amb els cabells llargs, però l’artista sembla que no vulgui deixar clar el seu sexe;
però, si bé ens fixem es tracta d’un home. En el moment que som conscients que és la
vulnerabilitat masculina la que sen es presenta, en més d’un cervell es produeix un petit curt-
circuit. Aquí entren en joc dues partides. D’una banda, queda fragmentada la forma inconscient
d’una premissa patriarcal que ens indica que aquestes característiques són pròpiament
femenines. I per altra banda, trenca amb la semiòtica freudiana de la paradoxa del
fal·locentrisme amb el complexe de castració, la qual podríem resumir en què la dona s’entén
com a subjecte passiu que ha de ser vista o desitjada per un subjecte actiu masculí. Això ens
remet al text Placer visual y cine narrativo, on la Laura Mulvey articula des d’una vessant de la
piscoanàlisis una desconstrucció del cinema a partir de conceptes feministes que han convertit
aquestes mateixes premisses freudianes en eines per desvelar els mecanismes inconscients del
patriarcat i com han acabat influint en el cinema. Ara bé, en el cinema i en el que no és cinema.

Però amb Zonder Titel, Dujourie interfereix de forma directa amb la dinàmica de dona
com a objecte passiu observat i home com a subjecte actiu observant i li dóna la volta, ara és
l’home el subjecte passiu observat. De la mateixa manera, com he esmentat en línies anteriors,
trenca amb la premissa patriarcal, m’atreveixo a dir sexista, quan el subjecte passiu masculí, ara
és qui deixa al descubert la seva vulnerabilitat, mostrant la seva tendresa, el seu costat
‘’femení’’. Amb femení entre comenetes m’agradaria reivindicar que res és més femení o menys
masculí, sinó que tots som fràgils, ens podem trencar i per tant, experimentar una sensació de
debilitat. Dujourie va explicar que, en veure les fotografies, el seu model es va sentir molt confós
i incòmode en veure les seves entranyes al descobert. Que ens vol dir això? A part de que ens
queda molt per treballar, aquesta confusió que experimenta el model és no més que l’evident
força que una societat occidental patriarcalista és capaç d’exercir en tots nosaltres.

Abril Martínez Llassat
20041162

Víctor Marín, Crítica de la representación

A mi parecer, la exposición Feminismes ha sido un despliegue de material, conferencias, actos y todo tipo de actividades relacionadas con este tema realmente espectacular.  Solo hace falta pasar por la página web de CCCB para darse cuenta de ello y considero que es todo un lujo poder disfrutar de una exposición tan grandes y ver todo lo que se genera a su alrededor.

Aun así, todo lo que comentamos en clase, en cuanto aspectos negativos, creo que es cierto. Muchas artistas de la vanguardia feminista de los 70 (la gran mayoría mujeres blancas, occidentales, burguesas…) que debido a su extensión se podían volver algo tediosa y desfasada por sus pensamientos, que aunque compartan el inicio y sean las precursoras de la lucha feminista tenían unas ideas sobre este muy arraigadas a los genitales y la naturaleza femenina. 

Obviamente hoy con el surgimiento de grupos queer, intersex, trans todas estas ideas se ven cuestionadas y aunque sean cuestionables a mi parecer es conveniente ver de donde proceden las cosas. 

La segunda parte, Coreografies del gènere, tiene obras muy interesantes, en particular me encantó la obra de Mireia Sallarès, Las muertes chiquitas (2006-2016) que aunque en la facultad
ha sido muy conocida yo no había oído hablar hasta que vi la exposición. 

En clase comentamos que esta segunda parte de la exposición estaba hecho para que grupos que no se sintieran cómodos y se posicionarán en contra del feminismo de diferencia de los 70 no se le tirara al cuello a la institución. Yo, sinceramente, hasta que no se dijo en la asignatura no había sido consciente de esto pero si pensé que hubiera sido mejor hacer una pincelada sobre el feminismo de los 70 y centrarse más en la actualidad y todo lo que sucede en la escena contemporánea. Creo más interesante hablar del ahora que hacer una muestra de obras ya pasadas. Aunque
supongo a la institución le era más beneficioso excederse en la primera parte ya que al ser artistas más conocidas recaudarían mayor cantidad de dinero. 

Pero lo que realmente me gustó fue el nexo entre ambas partes, El cos com a conflicte, una sala documental que reunía problemáticas feministas en el ámbito del cómic y autoras de esta disciplina. Estuvo comisariada por la ilustradora del cómic catalana Marika Vila y me pareció un apartado necesario ya que el cómic siempre ha sido un campo artístico con muchos autores hombres y un espacio donde el cuerpo femenino ha consolidado un estereotipo de mujer objeto y sexualizada brutal. 

También es cierto que ese espacio ya daría para hacer una exposición totalmente independiente y fue curioso ver como conviven artistas del cómic que se reivindican como feministas y su trabajo es íntegramente de cómic feminista como Flavita Banana o Lola Vendetta con otras como Emma Ríos que ejercen un trabajo más arraigado al cómic convencional, Bella Muerte (2014). 

Alrededor del setenta por ciento de superhéroes de DC y el setenta y cinco de Marvel son hombres, aunque la proporción de mujeres ha ido aumentando de forma estable desde los años setenta. She-Hulk, Ms. Marvel o Wonder Woman son algunas de las heroínas que en la industria americana están cogiendo más peso dentro del mundo del tebeo de superhéroes. Este cambio de concepción del cómic viene dado por dibujantes como Emma Ríos o Natacha Bustos. 

En España, Astiberri es una editorial vasca que cuenta con muchísimas obras publicadas por mujeres; Sangre de mi sangre de Lola Lorente, Let’s Pacheco de Laura y Carmen Pacheco o las tiras cómicas de Agustina Guerrero, Sara Oncina y Sara Hernanz. 

No me podría mostrar más a favor de que esto suceda ya que al entrar autoras y todo tipo de personas al mundo del cómic enriquece muchísimo este espacio. Atrae a nuevos lectores y contrasta sus opiniones con otras formas de pensar, diversifica este campo y eso es genial. 

Aun así, a menudo pienso que las industrias utilizan más estos cambios como un mero negocio que como un cambio social y de pensamiento en sí. Que Kick-ass pase de ser un joven friki blanco americano a una veterana de guerra afroamericana, que Thor pase a ser mujer o que Gwen Stacy empiece su debut como protagonista de su propio cómic es genial pero al fin de cuentas es puro negocio.  

El fanzine me parece un formato que puede salir de esta mercantilización absoluta y ser “más libre” para expresar e intentar generar otro pensamiento. Barbara Sanchez Barroso nos hizo una charla de su trabajo artístico en primero y me pareció interesante las propuestas que trataba en su colectivo NENAZAS, donde lo que generan en formato fanzine se puede adquirir en PDF de manera gratuita, o los feminizines que están subidos a ISSUU.